Популярные Статьи

• 5 правил, чтобы улучшить свой рисунок

  Oct 23, 2020 Admin 0 Комментарии

  Любое знание, чтобы стать доступным для понимания, систематизируется, то есть преобразуется в какую-то систему, структуру, по которой мы это знание уже изучаем. Все равно что рецепт в кулинарии.
  И в рисунке тоже есть свой рецепт, точнее набор задач. Если Вы научитесь их решать, Вы сможете себя смело назвать образованным человеком в области рисунка! Тут дело даже не в том, на сколько Вы хорошо будете рисовать, а дело в понимании задач и старание их выполнить в своем рисунке.
  Этих задач не много, на самом деле. И Вы, скорее всего, все их знаете. Просто люди часто без практики и без напоминания об основах основ, так сказать, и портят свой рисунок ложными целями и пытаются решить что-то другое. Например, пытаются сделать идеальный штрих, а основа для него кривая, потому что не построенная; или пытаются сделать рисунок супер-реалистичным, а о композиции не думают. Поэтому эта статья, надеюсь, станет для Вас своеобразным рецептом, как выполнить грамотный рисунок и избежать серьезных ошибок.

  Что же нужно знать в рисунке

  А это пять задач:
  1. Композиция
  2. Построение пропорций и перспективы
  3. Передача светотени
  4. Передача плановости
  5. Техника исполнения

  Первая задача – композиция

  Одна из самых непонятных вещей в рисунке. Дело в том, что композиция может быть совершенно любой, очень странной, нелогичной, непонятной, запутанной, и в тоже время интересной, выразительной…гениальной, если хотите! И нету каких-то определенных правил, по которым можно было бы научиться красиво, грамотно компоновать предметы в листе. Тут все зависит чувства гармонии, внутреннего баланса, вкуса, идеи, которую хочет выразить автор. Но в рамках школы, конечно же, есть определенные принципы, по которым нужно компоновать предметы в листе, придерживаясь которых Вы сможете избежать серьезных ошибок. Это очень обширная тема, достойная отдельной статьи, поэтому приведу Вам лишь несколько примеров.
  Самое основное, это, конечно, нужно располагать предметы в листе таким образом, чтобы вокруг них было достаточно свободного места, чтобы они были не впритык к краям листа, но этого места должно быть и не слишком много, чтобы на листе не было пусто.

   

  

  Нормальная компановка в листе

  

  Слишком мало места вокруг персонажа

   

  

  Слишком пусто на листе

  Также классическая композиция предполагает, что если мы рисуем кого-то живого, то со стороны, куда повернута голова, оставляется чуть больше места, чем у его затылка.

  

  Портрет ребенка

  

  Со стороны, куда повернута голова, чуть больше места

  Также чуть больше места оставляется со стороны света, или со стороны, куда направлено движение.
  Есть композиции динамичные ( когда предметы расположены в каком-то ритме, или по диагонали).
  Очень наглядный и известный пример картина «Боярыня Морозова» Сурикова.

  

  «Боярыня Морозова»

  Движение саней подчеркивает диагональная композиция.
  Есть статичные композиции, когда предметы расположены в ряд без какой-то очередности и последовательности.
  Вот для сравнения картина Кустодиева, тоже сани, движущиеся, но такой динамики, как на предыдущей не ощущается, потому что все расположено горизонтально, без особой какой-то последовательности.

  

  Кустодиев

  Есть также центрические композиции (или точечные), когда в композиции явно выделен центр, все остальное расположено вокруг и имеет второстепенное значение, подчинено этому центру.

  

  Сикстинская Мадонна

  И таких определений очень много. И разбираться в них стоит для того, чтобы избегать хаоса в своей работе, какой-то неразберихи, чтобы все было гармонично, сбалансировано и с чувством вкуса.

  Вторая задача – построение пропорций

  Это те самые манипуляции с карандашом, когда художник на вытянутой руке и с прищуренным глазом смотрит отношение одной величины предмета к другой, от большего к меньшему, сравнивает пропорции отдельных частей изображаемого предмета и переносит свои наблюдения на лист. Для многих людей, которые рисуют для себя, не в рамках какой-то школы, построение кажется каким-то непонятным, сложным и мало результативным процессом.
  Но без построения пропорций Вы не сможете изображать предметы таковыми, какие они есть в натуре. Однако, если Вы уловите суть этого процесса, будете часто практиковаться, то со временем будете получать удовольствие, простраивая предметы. Это как с математическими задачами – поймете, как решать, и аналогичные будете щелкать как орешки. Эта часть рисунка заставляет Вас сосредотачиваться, концентрировать свое внимание, поэтому положительно влияет на работу головного мозга, построение Вас развивает! Ну и, конечно же, развивает глазомер. А для художника это, наверно, один из главных навыков.
  Отдельная тема – построение перспективы. Она создает иллюзию пространства, помогает переносить искажение пропорций предметов в зависимости от угла зрения и от степени удаленности.

  Передача светотени

  Даже самый идеально выполненный рисунок, то есть красиво заштрихованный или зарисованный, не будет технически совершенно выполненным без передачи светотени. А вот рисунок заштрихованный грубо, некрасиво может быть выразительным, ярким, и живым, и объемным только благодаря тому, что правильно распределена светотень.

  

  Светотень

  Передача плановости

  То есть Вы должны учитывать в рисунке, что ближе, а что дальше, и выразительно это передавать. А что значит выразительно? То есть передний план должен быть очень ярким, прорисованным, детальным, контрастным, а по мере отдаления должен затухать, смываться, растворяться. Самый дальний план должен быть смытым, еле различимым. Самый наглядный пример – это пейзаж, где мы видим, что на переднем плане травинки очень четкие и различимые, а к горизонту уже все размыто и смутно.
  Очень часто вижу ошибку плановости в портретах некоторых художников. Вот смотрю я на работу: все супер-проработано до безобразия, очень четко, очень технически совершенно. И так же выполнен задний план. Смотрю и не пойму – что-то не то. А что не то ясно, если знаешь, что такое плановость. Герои прилепились к фону, то есть они находятся на одном уровне с фоном, фон не сзади, он на одном уровне с героями. И картинка смотрится именно картинкой, открыткой, красивой, но не объемной. Плановость возможно разграничивать искусственно, то есть не по степени удаленности, а по степени значимости – что у нас самое главное в работе, что второстепенное, какая у Вас идея или задумка.

  Последняя задача – техника исполнения

  Она может быть совершенно любой. Но каждый уважающий себя художник считает своим долгом постичь академическую, или классическую, технику штриховки. То есть рисунок должен быть красиво заштрихован. Почему об этой задаче я говорю в самую последнюю очередь. Потому что это на самом деле последняя задача. Прежде всего, Вы должны постичь все предыдущие четыре, а в процессе их постижения, Вы сами собой автоматом научитесь хорошо штриховать.

  Что еще постигать

  Что же еще остается, когда все вот эти задачи пройдены? Это передача различных материалов, фактур, поверхностей, передача сложной, вибрирующей натуры. Попробуйте нарисовать карандашом каменистый берег, например!

  

  Каменистый берег

  Передача всяких состояний природы - солнечный свет, туман, дождь и так далее всего, что есть в мире.
  И куда идти дальше, когда все Вы это научились делать? Перед Вами открыт огромный, необъятный, что и всей жизни не хватит выразить, мир идей и мыслей, которые Вы вкладываете в свое творчество. Творите и самовыражайтесь! Желаю Вам творческих успехов!

  Подробнее

• Советы по рисованию маслом для начинающих

  Nov 13, 2020 Admin 0 Комментарии

  Совет 1: пишите жирным поверх постного

  Это, пожалуй, самое важное правило масляной живописи, особенно если вы рисуете мокрым по мокрому (Alla Prima).

  Жирная краска определяет, сколько масла в ней присутствует. Добавляя масляную среду к вашей краске, вы делаете ее жирнее. Добавляя растворитель в масляную краску, вы разрушаете масло и делаете его более жидким.

  Чем толще краска, тем медленнее она высыхает.

  Верхние слои должны высыхать медленнее, чем нижние. Если нет, то краска треснет, когда высохнет.

  Простой способ решения этой проблемы - это процесс рисования. Начните с очень построй краски. Затем добавьте слои, которые немного жирнее. Каждый последующий слой должен быть толще предыдущего.

  Совет 2: закрасьте толстым слоем

  Этот принцип аналогичен правилу жирности и постности - основан на времени высыхания масляной краски. Густая высыхает медленнее, чем жидкая.

  Таким образом, в теории, ваши первые слои должны быть очень тонкими, почти глазурью. Затем, когда вы пишите картину, вы добавляете всё больше вещества и масла.

  Совет 3: подготовка холста

   

  

   

  Подготовка Вашего холста-это обычно упускаемый из виду, но очень важный шаг. Что это на самом деле означает? Ну, во-первых, Вы должны убедиться, что Ваш холст имеет достаточное покрытие левкасом. Как правило, это относится к большинству предварительно загрунтованных холстов, которые вы покупаете в художественных магазинах. Далее, Вы должны рассмотреть возможность установки приглушенного цвета фона для холста. Можно, например, использовать сырую умбру. При этом достигается следующее:

  • Позволяет избежать просвечивания белого холста;
  • Это простой способ просто начать свою картину и останавливает вас от промедления.

  Теперь, когда у Вас есть цветной фон на вашем холсте, Вы должны рассмотреть возможность размещения эскиза для вашей композиции. Эскиз не обязательно должен быть весь такой до мельчайших подробностей. Всё, что Вам нужно сделать, это установить основные формы в композиции. Цель эскиза - провести вас по холсту.

  Совет № 4: попробуйте рисовать с ограниченной палитрой

  Больше цветов не означает более сложной живописи. Во всяком случае, это часто наоборот.

  В следующей картине постарайтесь ограничить свою палитру базовыми элементами синего, жёлтого, красного и белого. Смешивая три основных цвета, вы получаете естественный черный цвет. Добавьте немного белого к этому, и вы получите серый и т.д.

   

  

   

  Использование ограниченной палитры научит Вас, как получать различные цвета и оттенки, при смешивании.

  Совет №5: увеличьте размер кисти

  Простой способ улучшить вашу технику рисования - взять самую большую кисть, которую вам удобно использовать, и рисовать только ей. Попробуйте использовать эту кисть долго, насколько это возможно.

  Большая кисть заставляет Вас быть решительными и эффективными с мазками. Вы также сможете покрыть холст намного быстрее.

  Подробнее

• Акварель VS гуашь, кто лучше?

  Oct 22, 2020 Admin 0 Комментарии

  Сегодняшняя статья посвящена гуаши и акварели. Меня много спрашивают об этих двух красках и техниках рисования, связанных с ними. Мое сегодняшнее сравнение скорее похоже на эксперимент. Мне очень давно хотелось сделать все наоборот — порисовать акварелью как гуашью, а гуашью как акварелью. Для наглядности я сделаю каждый вид зарисовок в родной технике и не родной. Итогом станут четыре работы. Каждую я по традиции подпишу и подробнее покажу в конце работы. И вы сами сможете сделать вывод о том, какая техника вам возможно ближе. Забегая вперед, рекомендую провести этот вдохновляющих опыт самостоятельно. Поверьте, это будет полезно. А пока я кое-что расскажу интересного а самих красках.

  
  Я заметила, что все очень любят интересные факты о предметах.
  Гуашь — водная краска, вид клеевых водорастворимых красок. Более плотная и матовая, чем акварель. Термин первоначально возник в 18 веке во Франции, хотя техника создании этой краски значительно старше. Она использовались в Европе еще в средние века. Гуашевые краски изготавливаются из пигментов и клея с добавлением белил. Примесь белил придает гуаши матовую бархатистость и кроющую способность. Но при высыхании цвета несколько выбеливаются, то есть высветляются, что делает сложным подбор цвета. С помощью гуашевых красок можно перекрывать темные тона светлыми. Гуашь, положенная толстым слоем, склонна к образованию трещин при высыхании, поэтому с работами, написанными в гуаши, нужно обращаться особенно внимательно. Эта проблема может быть в определенной степени ослаблена использованием специальной утолщающей основы или добавлением небольшого количества столярного клея и клея ПВА к краскам.
  Гуашью можно работать не только на бумаге, но и на различных поверхностях, будь то грунтовыми холст, ткань, даже шелк, пропитанный раствором бычьей желчи или крахмальным клейстером, картон, фанера.

  

  Работы, выполненные гуашью, традиционно относятся к графике, но, что интересно, в последние годы появилась тенденция делить работы выполненные акварелью и гуаши на графические и живописные. И гуашь также не имеет срока годности. По сути это очень долговечная краска при правильном хранении. Но хочу обратить ваше внимание, что если вы покупаете в магазине очень свежую еще жидковатую гуашь, то ее ни в коем случае нельзя перемораживать. Если покупка происходит зимой, а на улице мороз хотя бы -10 градусов, то побывав при этой температуре хотя бы полчаса, гуашь в дальнейшем приобретает мылкость она расслаивается и полностью теряет свои свойства. Так что всем художникам советую завернуть ее под куртку для транспортировки до дома. Морозы у нас бывают гораздо ниже десяти градусов. Тоже самое касается и жидкой акварели в тубах и баночках. Ее вообще нельзя морозить на улице. Уже при -5 градусах вы рискуете своей драгоценной краской и просто, возможно, не донесете ее до дома.

  
  Акварель тоже краска на водной основе, но техника акварели отличается легкостью, тонкостью цветовых переходов. Созданию акварели мы обязаны Китаю. Она появилась в этой стране вслед за изобретением бумаги. Вскоре акварель стала популярной и в Японии. Она никогда не теряла своей популярности в этих странах. Акварелью рисовали на шелке, дереве и других материалах. В европе акварель появилась гораздо позже других видов живописи - только в тринадцатом веке. Однако она чрезвычайно быстро развивалась и в конце шестнадцатого века стала такой же популярной, как живопись маслом. Считается, что предвестниками акварельной живописи в европе является фрески, расписанные по сырой штукатурке. Однако не всегда мастера акварели стремились к легкости, некоторой размытости при работе с акварелью. Вплоть до 18 века прорисовка деталей, в особенности переднего плана, была строжайшим каноном, от которого не принято было отходить. И только в конце девятнадцатого века два замечательных английских художника Томас Герти и Джозеф Тернер решили нарушить это представление о живописи. Они отошли от активной прорисовки акварельных рисунков и плотности положения акварельных красок. В их картинах уже присутствует та акварельная легкость и прозрачность, к которой мы стремимся сейчас. В отличие от гуаши, акварельная техника капризна. Исправить работу случае неверного мазка будет крайне сложно не оставив грязи, а при смешении цветов более двух-трех краска теряет яркости и чистоту. При смывании красочного слоя нарушается поверхность бумаги, таким образом это часто приводит к неопрятности. Кстати, только Врубель умел работать акварелью долго, по многу раз переделывая отдельные куски. А такая работа требует огромного опыта и мастерства.

  

  Я завершила свои зарисовки. Вы можете увидеть рисунки яблок, написанных в несколько слоев акварелью и гуаши. Для гуаши такой стиль является родным, поэтому краска смотрится гармонично и, на мой взгляд, более аккуратно. Для акварели же это не свойственный стиль. Краску вторым слоем положить довольно затруднительно, не размыв нижний. И хоть обе работы смотрятся хорошо, в жизни гуашь выигрывает у акварели. На мой взгляд, акварель смотрится тусклее, чем гуашь.
  
  
  
  А вот прозрачно написанный попугай отличается существенно. Акварель дает характерные красивые затеки, которые я обыграла в иллюстрации, а вот с гуашью сложно такое повторить в виду присутствия в ее составе белил, утяжеляющих краску. По высыхании гуашевый попугай утратил цвет и стал более тусклым.
  
  Повторюсь, что это сугубо мое мнение. Вы можете сделать подобный эксперимент самостоятельно.
  Автор: ART Lover

  Подробнее

• 10 полезных инструментов для рисования

  Nov 13, 2020 Admin 0 Комментарии

  Не секрет, что рисовать сложно! Но можно немного облегчить это дело с помощью некоторых инструментов художника. Эти аксессуары не являются необходимыми, но вы можете найти их полезными в зависимости от того, каким стилем или техникой предпочитаете рисовать.

  Если вы используете другие принадлежности, которые не включены в этот список, пожалуйста, поделитесь ими в комментариях.

  Держатель для кистей

   

  

   

   

  Кисти - самый распространённый инструмент художника, наряду с красками. Они недёшевы, поэтому вы должны быть уверены, что не повредите их, прижав щетинки к чему-либо. Держатель для кистей поможет Вам поддерживать их в отличном состоянии и в одном месте.

  Пресс для выдавливания краски

   

  

   

  Использовав до конца тюбик, вы уверены, что там почти ничего не осталось, но если его вскрыть, Вы будете удивлены сколько краски в нём ещё, она остаётся из-за того, что Вы не в состоянии до конца выжать. Пресс для выдавливания поможет вывести большую часть краски из тюбика, чтобы минимизировать потери. Краска не дешевая, поэтому убедитесь, что вы полностью используете то, что покупаете.

  Очиститель кистей

   

  

   

  Я испортил множество кистей из-за плохой очистки. Как только краска высохнет между щетинками вашего инструмента, то восстановить их будет непросто. Поэтому очень важно, чтобы вы позаботились о своих кистях и очищали их после каждого сеанса рисования, если не собираетесь использовать их снова в ближайшем будущем.

  Цветовое колесо

   

   

  

   

  Цветовое колесо очень важно для любого начинающего художника. Это поможет Вам понять, как работает цвет и основы смешивания цветов. Несмотря на то, что я рисовал много лет, я все еще время от времени обращаюсь к цветовому колесу, когда мне нужно рассмотреть цветовую гармонию моей картины или указать на дополнение цвета.

  Если вы учитесь рисовать, вам также следует подумать о создании собственного цветового круга. Это отличный способ почувствовать свою палитру цветов и диапазон цветов, которые вы можете смешивать.

  Поиск цвета

   

  

   

  Поиск оттенка считается наиболее важным шагом в рисовании. Его поиск поможет Вам определить правильное значение цвета.

  Тем не менее, этот инструмент имеет свои ограничения - освещение на Вашей картине редко совпадает с естественным освещением. Трудно сравнить два значения, которые зависят от разных источников света.

  Пропорциональный делитель

   

  

   

  Если вы учитесь рисовать, не начинайте рисовать с обрисовки контура предмета. Вместо этого узнайте, как использовать пропорциональный делитель для определения любых критических ориентиров в вашей картине. Это поможет вам создать точный рисунок для рисования поверх.

  Мастихин

   

  

   

  Мастихин (от итал. mestichino) — специальный нож или мастерок, использующийся в масляной живописи для смешивания красок, очистки палитры или нанесения густой краски на холст. Иногда мастихин употребляется вместо кисти для создания живописного произведения, нанесения краски ровным слоем или рельефными мазками.

  Мастихин - это не просто инструмент для смешивания краски на вашей палитре. Это также чрезвычайно полезный инструмент для рисования, который можно использовать для создания ярких цветовых мазков.

  Палитра

   

  

   

  Палитра - это то, что вы используете, чтобы держать и смешивать ваши краски.

  Светильник для мольберта

   

  

   

  Студийное освещение - чрезвычайно важный, но часто пропускаемый аспект живописи. Если у вас плохое освещение, вы не сможете по-настоящему увидеть цвета.

  Не у всех есть доступ к художественной студии с большими окнами, чтобы обеспечить естественное освещение и великолепное внутреннее освещение. Один из способов обеспечить его - это приобрести светильник, который вы прикрепляете к верхней части мольберта.

  Рамка-видоискатель

   

  

   

  Это полезный инструмент для написания вашей картины. Если вы рисуете пленэр, то вы можете использовать видоискатель для просмотра вашей сцены в разных кадрах. В первую очередь рамка нужна, чтобы ограничить зону вашего восприятия и выбрать композицию, которую вы будете рисовать.

  Подробнее

• Техника рисования пастелью для начинающих

  Nov 12, 2020 Admin 0 Комментарии

   

   

  Вы слышали о волшебной технике рисования пастелью? Для начинающих и опытных художников - это настоящее удовольствие. Не нужно тратить годы на обучение. Всего за несколько уроков можно освоить поэтапно рисование масляной пастелью для начинающих. Простейшие приемы помогут создавать пейзажи, натюрморты и портреты. Предлагаем несколько секретов, которые значительно ускорят обучение начинающих рисованию пастелью. Ведь это не только просто, но и необычайно интересно.

  

  Нюансы рисования пастелью для начинающих (сухой, масляной, восковой)

  Часто начинающий художник долго не может определить, какую основу использовать для работы, масло или акварель? Есть еще одна категория художественных материалов, относящуюся к "мягким". Это простая и приятная в работе пастель. Представлена она в виде обыкновенных мелков. Во время работы происходит очень тесный контакт рук с бумагой.

  Рисование сухой пастелью для начинающих поэтапно мы рассмотрим чуть позже. Но вы должны понимать, что нужного оттенка и фактуры можно добиться путем штрихов и растушевки. Это позволяет художнику почувствовать свою работу. В технике рисования пастелью есть волшебное свойство превращения простоты и примитивности в достойный рисунок.

  Мягкие пастельные палочки нуждаются в шероховатом ворсистом основании. Оно удерживает порошок краски. Ранее художники использовали даже замшу для рисования. Сегодня выпускается специальная бумага в виде шероховатого картона или наклеенного на картон холста. Пастелью можно не только рисовать, но и писать. Некоторые художники основание готовят самостоятельно. Передача формы производится линиями, штрихами, контурами. Позже производится подкраска различными тонами.

  Пастель - это спрессованная краска с мелом. Она имеет большую цветовую плотность и дает возможность делать бархатистые штрихи, мягкие и рыхлые края. Работа с пастелью - это что-то среднее между живописью и рисунком.

  Чем же привлекательны пастельные палочки? Они делают живопись благородной, чистой и свежей. Художники создают с их помощью мир, завораживающий непосредственностью творчества. Часто растушевку производят кончиками пальцев. Это еще больше сближает художника с его картиной.

  Для пастельных картин необходимо хорошее освещение. Оно служит отличной базой для проявления всех оттенков, игры многослойности. Лучше всего их рассматривать при дневном освещении, падающем по касательной.

  

  Из истории материала

  Еще в 15-м веке люди использовали пастель. Теоретические труды Леонардо да Винчи содержат упоминания об этом материале. Слово "пастель" сначала распространилось во Франции. У него латинские корни, со значением "паста".

  • ₽
     

     
  •  
     

     

  

  Ри­со­ва­ние для на­чи­на­ю­щих

  •  
     

     

  

  Бес­плат­ный курс по ри­со­ва­нию

  •  
     

     

  

  Ос­но­вы порт­рет­ной жи­во­пи­си!

  Темный пигмент перетирается с мелом и получается более светлый оттенок. Вы, наверное, слышали слово "пастельный". Гамма этих тонов может варьироваться от полупрозрачных до предельно насыщенных. Пастельным оттенком называется тот, который получен путем разбавления какого-то тона белым цветом. Он хорошо сочетается с родственными соседними тонами в цветовой палитре. Пастель довольно естественна и нейтральна.

  Многие художники эпохи Возрождения использовали именно этот материал. В искусстве нового времени пастелью предпочитали такие мастера, как Джон Рассел, Морис де Ла Тур, Энгр, Жан Этьен Лиотар. Классический портретный жанр не обошелся без использования пастели. Ее применяли в чистом виде, а также комбинировали с гуашью. Знаменитый Джеймс Уистлер применял эту технику в атмосферных пейзажах. Многие художники 19 - 20-го веков применяли пастель. Она была популярна у художников-импрессионистов из группы "Наби". С пастелью работал Альфред Сислей, Пьер Боннар, Жан Эдуард Вюйар, Эдгар Дега, Эдуард Мане.

  В одном из переулков Парижа до сих пор работает магазинчик La Maison du Pastel, где продаются мелки, которыми в свое время пользовался Дега. Ими он писал свою знаменитую серию с балеринами. Использовал их в своих работах и Сислей.

  Технология производства принадлежит Анри Рошу. Его дело продолжили наследники. Пастель до сих пор изготавливается вручную, даже старинные инструменты сохранились. Полная цветовая гамма включает 567 цветов. Один такой мелок стоит 12 - 17 евро.

  

  Четыре вида пастели для рисования

  Современные специалисты разработали четыре вида мелков:

  1. Сухие. Их чаще всего используют новички, они легко растушевываются, стираются ластиком, перекрываются другим тоном.
  2. Масляные. Для рисования нужны определенные навыки. Они сложно выводятся, штрихи не подлежат исправлению.
  3. Восковые. Они не растушевываются. Ложатся очень красиво, в виде глянцевого слоя. Эти мелки хороши в работе, годятся для рисования на вощеной бумаге.
  4. Акварельные.

  В одном рисунке используется только один вид пастели. Рисование пастелью для начинающих подразумевает применение сухих мелков.

  

  Бережное обращение с работами из пастели

  Нежная и хрупкая пастель нуждается в бережном обращении. Оберегать нужно не только работы, но и сами мелки. Быстрые наброски и этюды лучше делать сухими мелками. Также они дают возможность довести работу до фотографического вида. Часто пастель используется для рисования с натуры. Ее применяют любители экспрессии, сторонники кропотливого вырисовывания деталей.

  Пастелью удобно рисовать на природе. Многие берут ее на прогулку в парк или в путешествие. Она годится для передачи игры света, передачи фактуры облаков и ритма волн. Этот материал позволяет делать все просто и быстро.

  Единственным недостатком пастельных карандашей является соблюдение определенных условий их хранения:

  1. Обязательно пользуйтесь фиксатором в конце работы, чтобы рисунок не осыпался.
  2. Картины с пастелью помещайте под пластик или стекло, берегите от попадания прямых солнечных лучей.
  3. Заведите папку для хранения картин. Каждый рисунок в ней перекладывайте листами кальки. Можете приобрести специальный альбом для пастели.

  Работать с пастелью художнику нужно очень аккуратно, иначе исчезнут все ее достоинства. Эти мелки требуют точности, особого чутья цвета. Лучшая пастельная работа - это много красочных слоев, чистых, но слегка просвечивающих. Она притягивает своей бархатистостью и глубиной.

  

  Приобретите планшет или мольберт

  Для работы с пастельными палочками нужно вертикальное расположение бумаги или под небольшим наклоном. Так легче оценивается общая картина и легче переносятся линии натюрмортов или портретов на бумагу. Для удобства приобретите мольберт или планшет. Эти приспособления можно опирать о спинку стула или стол.

  Правильное использование мелков

  Качественные пастельные палочки - не дешевый материал. Рациональное использование одного набора позволит пользоваться ими долго. Если вы начинающий художник, для начала приобретите 10 - 15 основных оттенков. Выбирая мелки в магазине, попросите испробовать их. Качественные палочки создают бархатистый слой, без крошек. Пастель должна хорошо растушевываться.

  Скрыть рекламу:Не интересуюсьУже купилСпамМешаетСпасибо, объявление скрыто.

  Специальная рифленая бумага

  Кроме пастельных карандашей, купите тонированную рифленую бумагу. На ней максимально проявляются все возможности прессованных палочек. В продаже есть готовые альбомы для таких карандашей с листами разных оттенков. Чаще всего предлагают серые, светло-коричневые, терракотовые листы. Они перекладываются специальной калькой. Иногда цвет бумаги может совпадать с одним из изображаемых оттенков объекта.

  

  

  Растушевка работ

  Растягивать рисунок можно при помощи плоских кисточек или кусочков губки. Начальный этап работы предполагает растушевку кончиками пальцев. Так вы лучше почувствуете материал. Растушевкой вы сможете добиться мягких и перистых эффектов.

  В продаже предлагаются бумажные растушевки. Они бывают разных размеров и сделаны из мягкой намотанной бумаги. Также вы можете пользоваться микропористыми губками-аппликаторами. Они бывают разных форм. Для растушевки также подходят мягкие кисточки из натуральных волос пони. Некоторые пользуются ватными палочками, дисками, спонжиками для макияжа. Также важно приобрести ластик для пастели.

  

  Вскрытие лаком

  Пастельные картины требуют обязательного вскрытия специальным лаком. Делайте это с помощью пульверизатора. Вполне возможен вариант закрепления лаком для волос. Распыляйте средство на расстоянии 30 см от рисунка. В художественных магазинах продаются специальные баллончики для закрепления.

  

  Поэтапная работа для начинающих

  Иногда пастельные работы относят к графике, но они могут быть и живописью. Перед тем, как вы выполнять рисунок пастелью, научитесь определять оттенки. Здесь очень важно плавно переходить от одного тона к другому, а также видеть тени.

  Начинающему художнику лучше взять сухую пастель. Работу начинайте с предварительного рисунка. Делайте это светлым мелком, совсем чуть-чуть темнее бумаги. Его потом можно легко смести тряпочкой. Известный художник Левитан использовал для этого уголек. Только не используйте графитные карандаши, они не подходят.

  После предварительного рисунка приступайте к нанесению пастелью основного тона. Это удобнее делать небольшим кусочком мелка, отломив его от основного карандаша. Затем начинайте прорабатывать объем предметов. Делайте это штрихами, точками, линиями, мазками. После этого проведите растушевку.

  В конце используйте специальный лак-спрей для закрепления рисунка.

  Книга Маргарет Эванс "Техника рисования пастелью для начинающих"

  Поэтапно разобраться в секретах использования пастельных карандашей полезно не только новичкам, но и опытным художникам. Работа Маргарет Эванс поможет многим освоить этот вид материала. Ведь кто-то считает пастель легкомысленными, разноцветными мелками.

  Маргарет Эванс является не только художницей, но и преподавателем живописи в Дании. В своей книге она раскрывает все тонкости работы с пастельными палочками. Работа с этим материалом непростая, зато очень увлекательная. Автор подробно характеризует все виды пастели, объясняет для чего они нужны, как ими пользоваться. Из книги можно узнать, как правильно накладывать цветовые слои. В помощь начинающим художникам даны различные пояснения, пошаговые инструкции с фото для работы. Маргарет предлагает несколько мастер-классов по изображению пейзажей. На них нарисованы различные уголки земного шара. Книга состоит из следующих разделов:

  • Выбор цвета.
  • Тонкости композиции и перспективы.
  • Рисунки с натуры.
  • Беглые зарисовки и использование фото.
  • Изображение растений в горшках.
  • Рисуем сад.
  • Изображение букетов.

  Опора в книге Эванс делается на прорисовку пастелью различных цветов и букетов.

  

  Особенности работы с масляными пастельными карандашами

  Масляные мелки отличаются от сухих. Они чем-то напоминают восковые палочки, ведь в их состав входит льняное масло. Начинающим художникам советуют использовать сухую пастель. Но если вы приобрели масляную, то полезно узнать некоторые моменты ее поэтапного использования.

  Масляная пастель имеет более яркий окрас, поэтому многим хочется купить именно ее. Для рисования масляными мелками подойдет не только специальная бумага, но и наждачная, дерево, металл, стекло, оргалит, холщовая ткань.

  Можно выделить четыре основных этапа в работе с масляной пастелью:

  1. Сначала делается подмалевка, выделяется свободная зона и зона локальных тонов.
  2. Для создания глубины и яркости наносятся многоуровневые слои.
  3. Медленно добавляются итоговые мазки.
  4. Очищаются края фона, изображаемых предметов, заднего плана.

  Масляная пастель не осыпается, а со временем затвердевает.

  Подробнее