Акрил

  • Секреты рисования акриловыми красками

     
    Рисунок акриловыми красками из интернета
     

    Рисование картин акриловыми красками стало весьма популярным хобби. Ведь научиться изображать внешний мир на полотне таким материалом не сложнее, чем акварелью. Поэтому, если вам хочется получить новые свежие эмоции от живописи, то предлагаем воспользоваться этой статьей. Ведь в ней можно узнать основную информацию и некоторые хитрости, которые пригодятся каждому начинающему художнику!

    Подбираем материалы и инструменты

     
    Краски акриловые из свободного доступа интернета
     

    В живописи следует важно относиться к эксплуатации и хранению своих инструментов и материалов. Однако, если вы из разряда новичков в живописи, то вам нужно приобрести некоторые важные предметы из этого списка.

    1. Акриловые краски для рисования на холсте

    Основным материалом в живописи акрилом является сама краска. Среди широкого выбора оттенков и насыщенности начинающий художник может легко растеряться. Поэтому лучше для первых шагов взять небольшой набор с основными цветами.

    2. Кисти

    Без кисточки художник не сможет нарисовать ни одну картину. Поэтому после красок переходим к приобретению важного инструмента. Универсальными в живописи считаются круглые кисточки. Синтетический или натуральный ворс будет у вашего инструмента - зависит лично от вас. Пробуйте и экспериментируйте! А может вам вовсе подойдет мастихин.

    3. Основа

    В качестве основы для рисования акриловыми красками можно взять картон, холст, дерево и т. п. Первые свои работы можно вовсе сделать на плотном листе бумаги, чтобы ощутить свойства краски.

    4. Дополнительные

    Также вам не обойтись без баночки с водой, где можно очистить ворс кисти или разбавить цвет краски. Такой инструмент, как палитра, поможет создавать сложные цвета. Самым экономным и простым решением станет пластиковая одноразовая тарелка.

    Поэтапное рисование акриловыми красками

     
    Поэтапное рисование картинка из свободного доступа
     

    Первым делом проверьте свои краски. Просмотрите все баночки и тюбики. Если засохла акриловая краска для рисования в емкости, то ее можно спасти! Перенесите часть акрила на палитру и попробуйте восстановить ее при помощи разбавителя. Если уж краска полностью высохла, а работу нужно срочно закончить в соответствующей гамме, то разбиваем краску на мелкие кусочки острым предметом. Далее нагреваем при помощи фена. Получившуюся массу «спасаем» разбавителей. Конечно, такая краска не будет иметь первоначальных свойств. Поэтому лучше сразу заботиться о своих художественных материалах: наносить на палитру только часть краски, баночку сразу плотно закрывать крышкой, хранить от прямых солнечных лучей. Тогда вам уж точно не придется думать, чем разбавить акриловую краску для рисования.
    Подготовьте основу, которая подходит для акрила. Это может быть, как холст, так и плотная бумага или дерево.
    Сразу палитру увлажните водой при помощи распылителя, а также делайте это время от времени в период всего рисования картины.
    Если вы не знаете, что нарисовать, то найдите в интернете уроки рисования акриловыми красками и попробуйте изобразить то, что находиться перед вами.
    Сами акриловые краски непрозрачные. Поэтому разбавляйте их водой, регулируя степень прозрачности. Ведь чем больше процентов воды будет в краске, тем акрил будет более прозрачнее. Таким образом, можно даже добиться эффекта акварели или аэрографии на своем полотне.
    Вначале рисуйте крупными кистями большие участки рисунка. Затем плавно переходите к мелким. Также новичкам следует знать, что акрил необходимо распределять только краем кисти, а для создания четких контуром можно применять клейкую ленту. Если понадобиться осветлить или затемнить участок рисунка, то в помощь вам придут белые и черные тона акрила.
    Время от времени посматривайте на свой шедевр через зеркало, чтобы исправлять пропорции или цветовые решения в картине.

    Секреты рисования акриловыми красками для начинающих

     
    Секреты рисования фото из интернета
     

    - При рисовании акрилом следует знать, что мазки высыхают очень быстро. Для многих художников такое свойство материала стало большим преимуществом, а для других – недостатком. Если это так — используйте замедлитель высыхания для акрила.

    - При засыхании акрил становится темнее.
    - Наносить краску можно в пастообразном состоянии. Для этого многие применяют специальные сгустители.
    - Рисовать акрилом можно также в очень жидком состоянии, когда краска разбавляется водой.
    - При высыхании акрил не образует трещин.
    - Акрил образовывает ровную пленку, после нанесения мазков. Ее можно смыть только специальными растворителями после полного высыхания краски. Она блестит и не нуждается в дополнительных закрепителях.
    - Акриловыми красками можно рисовать на любой нежирной основе: холсте, полотне, дереве, стекле и металле.
    - Для удаления некоторых фрагментов рисунка свежую краску можно еще без труда смыть водой, а вот если она засохла, то уже без специальных растворителей не обойтись!
    - Итоговый вариант картины может иметь эффект акварельного или масляного изображения.
    - При помощи акрила можно создавать объемные выпуклые картины.

    Немного терпения, стараний и усилий в рисовании акрилом – и вы сами не заметите, как уже овладели этой техникой живописи, а картины выглядят настоящими шедеврами.

    Подробнее
  • 5 правил, чтобы улучшить свой рисунок

    Любое знание, чтобы стать доступным для понимания, систематизируется, то есть преобразуется в какую-то систему, структуру, по которой мы это знание уже изучаем. Все равно что рецепт в кулинарии.
    И в рисунке тоже есть свой рецепт, точнее набор задач. Если Вы научитесь их решать, Вы сможете себя смело назвать образованным человеком в области рисунка! Тут дело даже не в том, на сколько Вы хорошо будете рисовать, а дело в понимании задач и старание их выполнить в своем рисунке.
    Этих задач не много, на самом деле. И Вы, скорее всего, все их знаете. Просто люди часто без практики и без напоминания об основах основ, так сказать, и портят свой рисунок ложными целями и пытаются решить что-то другое. Например, пытаются сделать идеальный штрих, а основа для него кривая, потому что не построенная; или пытаются сделать рисунок супер-реалистичным, а о композиции не думают. Поэтому эта статья, надеюсь, станет для Вас своеобразным рецептом, как выполнить грамотный рисунок и избежать серьезных ошибок.

    Что же нужно знать в рисунке

    А это пять задач:
    1. Композиция
    2. Построение пропорций и перспективы
    3. Передача светотени
    4. Передача плановости
    5. Техника исполнения

    Первая задача – композиция

    Одна из самых непонятных вещей в рисунке. Дело в том, что композиция может быть совершенно любой, очень странной, нелогичной, непонятной, запутанной, и в тоже время интересной, выразительной…гениальной, если хотите! И нету каких-то определенных правил, по которым можно было бы научиться красиво, грамотно компоновать предметы в листе. Тут все зависит чувства гармонии, внутреннего баланса, вкуса, идеи, которую хочет выразить автор. Но в рамках школы, конечно же, есть определенные принципы, по которым нужно компоновать предметы в листе, придерживаясь которых Вы сможете избежать серьезных ошибок. Это очень обширная тема, достойная отдельной статьи, поэтому приведу Вам лишь несколько примеров.
    Самое основное, это, конечно, нужно располагать предметы в листе таким образом, чтобы вокруг них было достаточно свободного места, чтобы они были не впритык к краям листа, но этого места должно быть и не слишком много, чтобы на листе не было пусто.

     

    Нормальная компановка в листе

    Слишком мало места вокруг персонажа

     

    Слишком пусто на листе

    Также классическая композиция предполагает, что если мы рисуем кого-то живого, то со стороны, куда повернута голова, оставляется чуть больше места, чем у его затылка.

    Портрет ребенка

    Со стороны, куда повернута голова, чуть больше места

    Также чуть больше места оставляется со стороны света, или со стороны, куда направлено движение.
    Есть композиции динамичные ( когда предметы расположены в каком-то ритме, или по диагонали).
    Очень наглядный и известный пример картина «Боярыня Морозова» Сурикова.

    «Боярыня Морозова»

    Движение саней подчеркивает диагональная композиция.
    Есть статичные композиции, когда предметы расположены в ряд без какой-то очередности и последовательности.
    Вот для сравнения картина Кустодиева, тоже сани, движущиеся, но такой динамики, как на предыдущей не ощущается, потому что все расположено горизонтально, без особой какой-то последовательности.

    Кустодиев

    Есть также центрические композиции (или точечные), когда в композиции явно выделен центр, все остальное расположено вокруг и имеет второстепенное значение, подчинено этому центру.

    Сикстинская Мадонна

    И таких определений очень много. И разбираться в них стоит для того, чтобы избегать хаоса в своей работе, какой-то неразберихи, чтобы все было гармонично, сбалансировано и с чувством вкуса.

    Вторая задача – построение пропорций

    Это те самые манипуляции с карандашом, когда художник на вытянутой руке и с прищуренным глазом смотрит отношение одной величины предмета к другой, от большего к меньшему, сравнивает пропорции отдельных частей изображаемого предмета и переносит свои наблюдения на лист. Для многих людей, которые рисуют для себя, не в рамках какой-то школы, построение кажется каким-то непонятным, сложным и мало результативным процессом.
    Но без построения пропорций Вы не сможете изображать предметы таковыми, какие они есть в натуре. Однако, если Вы уловите суть этого процесса, будете часто практиковаться, то со временем будете получать удовольствие, простраивая предметы. Это как с математическими задачами – поймете, как решать, и аналогичные будете щелкать как орешки. Эта часть рисунка заставляет Вас сосредотачиваться, концентрировать свое внимание, поэтому положительно влияет на работу головного мозга, построение Вас развивает! Ну и, конечно же, развивает глазомер. А для художника это, наверно, один из главных навыков.
    Отдельная тема – построение перспективы. Она создает иллюзию пространства, помогает переносить искажение пропорций предметов в зависимости от угла зрения и от степени удаленности.

    Передача светотени

    Даже самый идеально выполненный рисунок, то есть красиво заштрихованный или зарисованный, не будет технически совершенно выполненным без передачи светотени. А вот рисунок заштрихованный грубо, некрасиво может быть выразительным, ярким, и живым, и объемным только благодаря тому, что правильно распределена светотень.

    Светотень

    Передача плановости

    То есть Вы должны учитывать в рисунке, что ближе, а что дальше, и выразительно это передавать. А что значит выразительно? То есть передний план должен быть очень ярким, прорисованным, детальным, контрастным, а по мере отдаления должен затухать, смываться, растворяться. Самый дальний план должен быть смытым, еле различимым. Самый наглядный пример – это пейзаж, где мы видим, что на переднем плане травинки очень четкие и различимые, а к горизонту уже все размыто и смутно.
    Очень часто вижу ошибку плановости в портретах некоторых художников. Вот смотрю я на работу: все супер-проработано до безобразия, очень четко, очень технически совершенно. И так же выполнен задний план. Смотрю и не пойму – что-то не то. А что не то ясно, если знаешь, что такое плановость. Герои прилепились к фону, то есть они находятся на одном уровне с фоном, фон не сзади, он на одном уровне с героями. И картинка смотрится именно картинкой, открыткой, красивой, но не объемной. Плановость возможно разграничивать искусственно, то есть не по степени удаленности, а по степени значимости – что у нас самое главное в работе, что второстепенное, какая у Вас идея или задумка.

    Последняя задача – техника исполнения

    Она может быть совершенно любой. Но каждый уважающий себя художник считает своим долгом постичь академическую, или классическую, технику штриховки. То есть рисунок должен быть красиво заштрихован. Почему об этой задаче я говорю в самую последнюю очередь. Потому что это на самом деле последняя задача. Прежде всего, Вы должны постичь все предыдущие четыре, а в процессе их постижения, Вы сами собой автоматом научитесь хорошо штриховать.

    Что еще постигать

    Что же еще остается, когда все вот эти задачи пройдены? Это передача различных материалов, фактур, поверхностей, передача сложной, вибрирующей натуры. Попробуйте нарисовать карандашом каменистый берег, например!

    Каменистый берег

    Передача всяких состояний природы - солнечный свет, туман, дождь и так далее всего, что есть в мире.
    И куда идти дальше, когда все Вы это научились делать? Перед Вами открыт огромный, необъятный, что и всей жизни не хватит выразить, мир идей и мыслей, которые Вы вкладываете в свое творчество. Творите и самовыражайтесь! Желаю Вам творческих успехов!

    Подробнее
  • Мир глазами художника, как научиться видеть

    Для того, чтобы рисовать, писать красками художнику необходимы не только теоретические знания и практический опыт. Есть еще одно такое важное понятие, как способность «видеть». Это очень абстрактное, очень размытое понятие, не имеющее инструкции к применению, и оно вполне очевидное. Но художнику до него крайне важно дойти, потому что он создает зрительные образы, и уметь видеть - это одна из его основных способностей.

    Я не буду говорить о высоких материях, о том, что художник действительно видит мир как-то иначе, и обычным умом этого не понять.

    Речь пойдет о простых практических навыках, способных помочь начинающему художнику лучше понимать натуру, чтобы потом ее изобразить более достоверно.

    Как мы учимся рисовать

    Основные два варианта, при которых Вы учитесь с кем-то (то есть у Вас есть определенный ориентир):

    • Интернет, видео из интернета, статьи. И чаще всего такой вариант сводится к тому, что Вы находите определенный источник и повторяете то, что делает автор. При этом концентрируете внимание лишь на том, что говорит или пишет автор, и как повторить его работу, чем точнее, тем лучше.
    • Рисование в студии с живым педагогом. Это способ сложнее, но и эффективнее. Во-первых, Вы рисуете с живой объемной натуры, а не с картинки. Во-вторых, Вы ни за кем не повторяете, а сами решаете поставленную задачу, педагог лишь подсказывает и немного помогает.

    Но в обоих случаях Ваша работа протекает не самостоятельно, Вам помогают. И за пределами этого пространства Вам тяжело выполнить что-то самим, без постороннего вмешательства.

    Я в своих уроках делаю больший упор не на то, чтобы Вы посмотрели и повторили за мной, то есть «делай как я и все будет у тебя хорошо» - нет. Я пытаюсь предоставить информацию, которой вы смогли бы воспользоваться в других своих рисунках самостоятельно. То есть это такая информация, которая позволит вам, во-первых, улучшить свои навыки рисунка, во-вторых, поможет вам разобраться и с другими формами, и с другими предметами.

    И тут как раз вот это «видеть» крайне важно. Ведь не всегда все так наглядно, как в уроках, натура бывает очень смутной, со странным освещением. И после урока Вы: «я все понял!». А потом садитесь за какой-нибудь натюрморт и опа! – «Ох! Ничего такого тут нет! И как это рисовать? А где та светотень, о которой было в уроке?» И все, начинается ступор.

    Вы начинаете искать дополнительную информацию, у вас возникают вопросы.
    Вопросы – это хорошо! Но они могут мучить Вас бесконечно. Вы разберетесь с одним, начинается другое, решите другое, возникают проблемы с третьим. И так может длиться бесконечно. Но если вы научитесь видеть натуру, вопросов станет определенно меньше.

     

    Каким образом мы учимся видеть натуру

    И тут все довольно просто и очевидно, однако требует терпения и внимательности.

    Первое, что помогает нам научиться видеть - это наблюдение за натурой и ее анализ.

    То есть, прежде чем преступить к практике (непосредственно к рисунку), понаблюдайте за объектом, попробуйте мысленно его разложить по тем основам рисунка, которые Вы уже знаете.
    Та же самая светотень, например. Действительно ли падающая тень от этого объекта, темнее, чем собственная? Я же знаю, что она должна быть темнее, чем собственная! Почему я здесь этого не вижу?

    Почему я не вижу рефлекса, например.

    И так далее.
    Перспектива та же самая, как сильно объект уходит в перспективу, насколько он отклонен от горизонталей, почему мне кажется, что объект вытянутой формы, а он на самом деле круглый. И вот таких копаний очень много. И, кажется, что от них можно сойти с ума. Проще взять, сесть, нарисовать. Если не получилось, анализировать свои ошибки.
    Но наблюдение за натурой, любование ею – это неотъемлемая часть творческого процесса. Художнику важно понять, как передать то, что он видит. Так что если Вы не озадачиваетесь этим, то результаты вашего труда, возможно, будут гораздо ниже, чем если бы Вы просто наблюдали за предметами вокруг.

    И это хорошая практика для художника – смотреть на мир не обыденным взглядом, а с анализом. Даже если Вы ничего не собираетесь рисовать, не ленитесь иногда рассматривать предметы вокруг себя и при этом представлять, как это изобразить на листе.

    Когда я еще училась, я ездила в общественном транспорте и часто залипала на лица людей. Мне кажется, что из-за меня многим было неловко, потому что мне нравилось смотреть внимательно, анализировать, что-то представлять в своей голове.
    Ну что поделаешь – я изучаю натуру, люди, простите меня. Я, конечно, не призываю Вас пялиться на людей в общественном транспорте. Но если вы хотите стать портретистами, то наблюдать за натурой так или иначе придется.

    И второе, что тренирует наше зрительное восприятие – это анализ собственных готовых работ.

    Да! Критикуем себя, самостоятельно, без посторонней помощи. Сравниваем с натурой свою работу, а потом смотрим на нее без сравнения с натурой. Дело в том, что Вашу работу зритель не будет оценивать в сравнении с оригиналом, он будет смотреть на нее отстраненно. И смотрите, что в ней не так? Что в ней можно улучшить, что бросается в глаза, как нечто нехорошее.
    И самое главное, смотрите, что у Вас вышло хорошо! Что у вас вышло классно, круто! И обязательно хвалите себя за это, и ни в коем случае не расстраивайтесь из-за ошибок, ведь все исправимо. Самое главное, Вы видите и понимаете, в чем промахнулись. И в следующий раз все выйдет обязательно лучше.

    Подробнее
  • Композиция в рисунке, основы композиции в рисунке и живописи

    Композиция в изобразительном искусстве – объемная, сложная и важная тема с одной стороны, но с другой, ее не стоит воспринимать, как нечто крайне необходимое, обязательное к исполнению. Понятие о композиции помогает сформировать чувство прекрасного, гармонии и эстетики. Но не дает гарантии, что у Вас будет идеальная работа, если Вы будете следовать композиционным правилам. Однако, если у Вас будет понятие о композиции, Вы будете подходить к своим работам более грамотно, более гармонично компоновать предметы в листе, с большей выразительностью доносить свои идеи и задумки до зрителя.
    Итак, композиция происходит от латинского слова compositio - «сочинение; составление; связывание; примирение» и этим все сказано. Я скажу просто, это то, как Вы здорово, или может не очень здорово, организовали изображаемые Вами предметы на листе.
    Про композицию очень много всего написано, причем одно может противоречить другому. Я выделила такие основные положения, которые следует знать, и соответствуют такому базовому, школьному уровню. Я подобрала для Вас примеры не из абстрактных конструктивных картинок, а из произведений нашего культурного наследия.

     

    Композиционный центр

    В удачной композиции всегда есть композиционный центр, в котором расположен главный акцентный предмет. Все остальные предметы расположены вокруг и имеют второстепенное значение по отношению к композиционному центру.
    Композиционный центр - то место в Вашей композиции, куда в первую очередь притягивается внимание зрителя. Это самое важное, самое главное место. Все остальное, все другие элементы композиции должны быть подчинены композиционному центру и тому акцентному предмету, который в нем находится.
    Акцентный предмет может выделяться:
    - Размерами.
    Например, большой кувшин в окружении разных предметов, причем, обратите внимание, какая яркая драпировка на переднем плане, но все ж таки в первую очередь мы обращаем внимание на кувшин, потому что он самый крупный из предметов.

    - Формой.
    Например, в этом пейзаже домик является акцентным предметом, и не по тому, что он практически в центре, а потому что выделяется среди деревьев прямыми и геометрически правильными линиями.

    Помогают нам также сразу обратить внимание на него линии деревьев, сходящиеся в перспективе и линии деревьев на заднем плане, лежащие в уровень с домиком. То есть у нас есть направляющие к нему.


    Да простит меня Сислей, я позволила себе немного пофотошопить его шедевр и убрала этот домик. И что получилось, что стало акцентом, как Вы думаете?

    Человечки! Да, мы сразу обратили большее внимание на фигурки людей.
    - Человеческие лица и фигуры являются самыми притягательными объектами для человеческого взгляда.
    Вот такой же пример с Владимиркой, Левитана. Фигурка человека на пустынной дороге притягивает наше внимание.

    Казалось бы, все линии ведут нас в горизонт! Но человека мы замечаем быстрее, чем то, что у нас на горизонте.

    Помогают нам так же вот эти тропки, на пересечении которых находится человек.

    А вот пример с лицом Гюстава Климпта «Поцелуй».

    Очень декоративная композиция, очень много мелких, ярких деталей, много золота. Казалось бы! Затеряться в этой декоративности очень просто. Но мы сразу бросаем взгляд на лицо девушки, оно для нас притягательнее всего, никакое золото нас так не заставляет зависнуть на работе как ее лицо. Композиционно здесь все держит нас вокруг этого лица, наш взгляд никак не может выбраться из этого окутавшего лицо кокона. И это один из моментов, почему «Поцелуй» обладает такой притягательностью.
    Если в композиции несколько людей, то в центре окажется, то лицо, которое смотрит на нас или больше остальных повернуто к нам.

    - И последнее, чем можно выделить акцентный предмет, это цвет (или тон в графике) и контраст.
    Например, пейзаж со скалой.

    Наш взгляд ни секунды не колеблется по картине – сразу приковывается к темной скале на фоне желтого неба! Очень яркое, контрастное сочетание делает это место центром композиции.
    А вот лошадка.

    Ее сильно освещенная морда на фоне черной двери моментально притягивает взгляд, хотя спина у нее освещена не меньше, но там нет такого контраста.

     

    А вот картина Петр I.

    Здесь много средств, усиливающих впечатление, что Петр не просто центральная фигура, а он огромный, величественный.
    Во-первых, размер – он больше других людей. Во-вторых, сильный контраст его фигуры на фоне неба. В-третьих, все визуальные линии в картине направлены на него.
    Птички - расположены по линии в направлении Петра.

    Облака - в направлении Петра.

    Лодка - направлена к Петру.

    Даже непонятные мазочки в нижнем правом углу тоже в направлении к нему. Со всех углов нас направляют к Петру.

    Плюс низкая линия горизонта еще больше усиливает впечатление о его размерах, о его значении.
    В композиционном центре может быть также несколько предметов. Но они должны смотреться единой, целой группой, а не разрозненно сами по себе в одном месте листа. Тот же самый пример с натюрмортом.


    Голландцы любили изображать в натюрморте очень много всего и посуды, и фруктов и даже дичи. Вот такой довольно скромный пример.
    Однако, композиционных центров может быть несколько. Лучше – не больше трех.
    И все равно, один из них по отношению к другим будет доминантным. Он будет крупнее, ярче, значительнее, выразительнее.
    И опять натюрморт, два белых блестящих объекта в окружении какой-то черноты.

    Один доминирует над другим. Но наш взгляд цепляет как один, так и другой.
    А как Вам такая куча мала!?

    «Утро стрелецкой казни» Сурикова. Честно скажу, в этой картине очень много всего, о чем можно поговорить. Но согласитесь – центр это вот этот стрелец.

    На него в первую очередь падает взгляд. Он контрастный и возвышается над массой. Но он не один здесь такой. Вторая фигура - молодой Петр.

    Мы его замечаем не сразу, но как только мы его видим, он приобретает не меньшее значение, хоть и на заднем плане, хоть и не такой четкий, как стрелец. Он является вторым композиционным центром, потому что автор принял все меры, чтобы его выделить. Он так же возвышается над массой и контрастно выделен на фоне стены, просто в сторонке. Среди множества фигур здесь таких только две. Остальные все сливаются в общей массе.
    Композиционный центр может не иметь предмета вообще. Может быть пустым местом. Например, в пейзаже часто таким местом выступает небо.

    В таких композициях обычно все предметы расположены довольно равномерно, имеют определенную однородность и сливаются в массе по отношению к пустому пятну, в котором расположен композиционный центр.

    Итак: чтобы Ваш рисунок был как минимум интересным, всегда думайте, какой у Вас будет композиционный центр, что будет в нем расположено и каким образом Вы его выделите.

    Как гармонично расположить композиционный центр в листе

    Существует несколько композиционных приемов, по которым можно выстраивать композиция.

     

    Правило третей в композиции


    Это самый простой и популярный способ компоновать предметы. Его очень любят фотографы(не зря на фотоаппаратах и телефонах часто есть функция разбивки на девять клеточек, как раз, чтобы искать композиционный центр). По правилу третей идеальное расположение композиционного центра на пересечении этих линий или прямо на них.

    Это, естественно, работает не только в фото, но и в рисунке и в живописи.
    «Купание лошади» Серова.

    Все по клеточкам.

    Композиционный центр – это морда лошади и голова человека, которые выстроились в одну линию. Тело лошади заканчивается в пределах трети, горизонт на линии, уровень ног лошади по линии.
    Или натюрморт.

    Композиционный центр кувшин на пересечении линий, а цветы по линии, открытое окно по линии.

    Центрированная композиция

    В такой композиции композиционный центр обычно совпадает со зрительным центром, то есть, по сути, центр листа.

    И все самое главное находится по центру листа.

    В портретном жанре такой вариант композиции часто используется.

    в натюрмортах, когда Вы рисуете один какой-то предмет или главный предмет в центре, а все остальное равномерно по бокам.

    В центрованной композиции может быть множество фигур, но они располагаются вокруг главного центра и подчинены ему. «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи.

    Все сходится к фигуре Христа, хоть здесь имеется очень много разных фигур, все линии перспективные сходятся к Христу.

    Плюс центральная фигура находится на фоне белого неба в оконном проеме, очень контрастно.
    Здесь стоит еще упомянуть о симметрии. Она тоже связана с зацентрованной композицией. И симметрия обычно ассоциируется с чувством равновесия, статичности. Поэтому подходит для спокойных, уравновешенных сюжетов, где отсутствует напряжение, какая-то динамика.

    Золотое сечение в композиции

    Все наверняка слышали об этой магической штуке, о какой-то там вселенской пропорции, которая является идеалом красоты, гармонии и самой лучшей и удачной пропорцией. Выражена она вот в такой золотой спиральке (другое название спираль Архимеда), смысл которой средним умом не понять.


    «Ага! Я сейчас на свои фотки наложу такую спираль и случайной вероятностью найду там золотое сечение» - скажите Вы! И вполне вероятно! Это же спираль вселенской гармонии, она заложена в человеке на подсознательном уровне. И факт остается фактом: даже стада овец разбегаются по спирали, которая соответствует вот этой спирали Архимеда. Я Вас не буду морочить всеми аспектами этой спирали. Для того, чтобы компоновать предметы, стоит усвоить лишь основной ее смысл, который заложен именно в пропорциональном соотношении.

    Еще раз, если вся длинна 100%, то меньший отрезок 38,2%, а больший 61,8%,

    Как это применить в компоновке предметов.
    Рассмотрим еще раз картину «Утро стрелецкой казни».

    При беглом взгляде можно обнаружить сразу три места, организованных в соответствии с золотым сечением: - голова Петра, относительно вертикали

    - голова Петра относительно стрельца

    - и разделение картины собором

    Золотое сечение, конечно, не очень удобный способ компоновать предметы. Вы ж не будете сидеть над работой с линейкой или вот с этой спиралькой, вырезанной, не знаю, каким образом, и искать – где же мне тут что расположить. Просто нужно усвоить на глаз, запомнить, какое соотношение: один отрезок чуть больше половины, другой – чуть меньше половины.

    Итак: чтобы гармонично расположить композиционный центр в листе, можно использовать такие приемы, как правило третей, золотое сечение или центровать композицию. Или сочетать все эти приемы вместе в одной композиции, если у Вас какая-то сложная, объемная работа.

    Динамика и статика

    Еще один важный аспект композиции – определиться, какую Вы делаете работу, статичную или динамичную. Или сочетаете в ней и то и, то.
    Статичные композиции, то есть без движения, часто симметрично уравновешены, они показывают предмет без какого-то события, вызывают чувство спокойствия, классической завершенности, отсутствием времени характеризуются – ведь в них ничего по сути не происходит. В статичных композициях предметы расположены устойчиво, на горизонтальных линиях, с минимальной перспективой.

    А вот динамичные композиции как раз связаны с движением, с действием. На картине что-то происходит.

    Подчеркивается это наклонными линиями, отсутствием симметрии, ритмом. Сильная перспектива также создает динамику. Например, графика Пиранези.

    На одной картинке архитектура изображена без особой перспективы – все спокойно. На другой есть перспектива, колонны создают ритм – появляется динамика, то есть движение по этой галерее. Вы четко двигаетесь взглядом по диагонали.
    Вот еще пример две картины одного автора, Веласкеса. Сюжеты схожи: всадники на лошади.

    Одна статичная, другая динамичная. Почему? Слева мы видим в основном горизонтали, хоть лошадь как бы и двигается, но движения мы не чувствуем, будто она привстала и застыла, чтобы попозировать. Все наклонные линии очень вялые, не на много отклоняются от горизонтали или вертикали. Справа мы видим как бы пучок диагоналей, расходящихся от угла. Лошадь движется в нашу сторону и по диагонали, вот и ощущение другое, мы чувствуем движение.

    Закон равновесия в композиции

    Наверняка слышали такую фразу – «надо бы уравновесить предметы справа» ну или слева там, например. Смысл равновесия состоит в том, чтобы гармонично расположить количество цветовых пятен, количество предметов на листе. То есть, чтобы у Вас был не хаос, а какой-то порядок, гармония.
    Все тот же натюрморт.

    Светящиеся белизной предметы не просто центры композиции, они друг друга уравновешивают, один более яркий, другой вторит ему приглушенно.
    «Девочка с персиками» В.Серова.

    На переднем плане желто-розовые яркие персики с сухими листьями, а сзади окно с золотистым осенним пейзажем, как они хорошо гармонируют. Они вместе с персиком в руках и розовым лицом составляют единую угловую линию, выведенную цветом.

    Кажется, что это все случайность, но на самом деле это что ни на есть чувство гармонии и баланса, которое развито у художников.
    У Пиранези композиционный центр – кусочек неба, какой он яркий по сравнению со всем остальным! Он бы так и остался неким одиноким пятном, на котором взгляд бы застрял. Но нас манит галерея со светом в конце, этот свет вторит голубому пятну в своде.


    И Шишкин.

    Три группы деревьев, разных по массе. Почему справа самая большая масса, в центре самая маленькая и с краю средняя? Да простит меня Шишкин, опять проведу эксперимент. Может так более гармонично?

    Или так?

    Видимо, три группы сосен, во-первых, очень хорошее число, во-вторых, разнообразие в размерах и именно такое чередование делает композицию более интересной, живой и естественной.

    Итог: равновесие достигается балансом цвета, балансом форм, количеством предметов и симметрией.

    Восприятие зрителем

    Есть некоторые факторы, которые усиливают психологическое воздействие работы на зрителя. Они могут появиться в вашей работе случайно, совершенно на подсознательном уровне. А можно их добавлять намеренно, чтобы усилить воздействие от своей работы.
    Человеческий взгляд двигается слева на право, это связано с доминированием левого полушария мозга над правым. Исключение, конечно, левши. То есть человек больше задержит свой взгляд на работе, где композиционный центр находится слева и есть движение вправо от этого центра.


    Если он видит слева что-то невнятное, то мозгу уже не хочется двигаться взглядом вправо, его внимание уже рассеивается, оно не такое сконцентрированное. И, возможно, работа произведет меньшее впечатление. С превьюшками это очень хорошо работает. По статистике превью, где вся смысловая нагрузка приходится на левую сторону, работают лучше, чем превью, где все справа.
    Наглядный пример рекламы кока-колы. У них практически всегда бутылка слева находится (то есть там, где мы ее сразу видим)

    Или все действо слева находится. А в отделе рекламы у них наверняка лучшие умы работаю.

    Динамика в работе больше приковывает взгляд, чем статика. Если один и тот же предмет рисовать в статичном и динамичном положении, то большее внимание зрителей будет приковано к динамичному расположению объекта.


    Эмоции. Всегда думайте над тем, какие чувства Вы хотите вложить в свою работу – печаль, грусть, радость, страсть, агрессия, умиротворение. Я, конечно, не говорю о той ситуации, когда Вы рисуете, например, натюрморт с утюгом в главной роли. И думаете такие: «Ага! Дайка я сделаю страстный утюг!». Нет, конечно, не та ситуация. Но усилить эмоциональное воздействие от работы на зрителя можно даже в натюрморте с утюгом.
    В первую очередь я говорю о линиях, которые воспринимаются человеком на подсознательном уровне.
    - Прямая горизонтальная линия

    Ассоциируется с горизонтом. Чувство покоя, спокойствия.

    «Московский дворик» - нет никакого напряжение, чистое умиротворение.

    В этой картине очень много горизонтальных линий, которые ничем не разрываются.

    - Прямая вертикальная – устремление вверх.

    Волнующее чувство устремления к чему-то важному.

    Очень много вертикальных линий, ведущих нас к кусочку неба в своде у Пиранези. Неимоверное ощущение!

    - наклонная линия обычно ассоциируется с движением, с дорогой, уходящей в горизонт.


    Поэтому вызывает волнующие чувства. Чем сильнее наклонены линии относительно горизонта, тем больше эмоций они вызывают. Я уже показывала пример с движением лошадей, когда движение подчеркнуто диагональю (наклонной линией), то это движение мы ощущаем лучше.
    - ломаные, обрывающиеся и пересекающиеся линии – неуравновешенность, даже агрессия, вызывает бурные, но неприятные чувства.



    Ломаные линии в батальном жанре очень хорошо работают.


    Природные линии не имеют резких углов, каких-то ломанных переходов, поэтому мягкие, скругляющиеся, волнообразные линии всегда оказывают умиротворяющее воздействие.

    И, конечно же, на восприятие влияет Ваши труды, Ваши старания, вложенные в работу. Если Вы творили с душой, с вдохновением, с каким-то творческим запалом, то Ваш зритель по любому это увидит, оценит, почувствует.

    Итак: чтобы с композицией у Вас все было нормально, определяйтесь с композиционным центром, выделяйте его формой, размерами, цветом или контрастом. Располагайте его гармонично относительно листа, если не можете найти эту гармонию, воспользуйтесь правилом третей, золотым сечением или зацентровывайте композицию. Все остальные предметы должны быть сбалансированы относительно композиционного центра и подчинены ему.

    Подробнее

Последние статьи

Популярные